Hazlo diferente: cómo los locutores nuevos aprenden a recibir dirección

Tu primera sesión dirigida puede sentirse como recibir notas en un idioma que entiendes a medias. “Más conversacional.” “Tíralo.” “¿Puedes sonreír ahí?” Esto es lo que suelen querer decir los directores, lo que te pide el ingeniero y cómo mantener la calma cuando las notas dejan de tener sentido.

Nadie te advierte sobre el botón de talkback. Ensayaste el guion, tienes el agua en el atril y, de pronto, una voz en tus audífonos dice algo como “muy bien, ahora hazlo diferente” y se queda en silencio. Ese es el momento en que los locutores nuevos descubren que el trabajo no es solo leer bien. Es recibir una nota, convertirla en una toma nueva y volver a hacerlo un minuto después.

La buena noticia: el vocabulario es corto, y buena parte ya la escribieron personas que trabajan a ambos lados del vidrio. Leímos lo que han publicado locutores en activo, coaches y un equipo de investigadores, y sacamos lo que un principiante puede usar en su próxima sesión.

Antes de la primera toma, responde tres preguntas

La actriz de voz Vicki Amorose, en un curso exprés sobre dirección escrito para Game Developer, resume el brief en tres preguntas que todo actor necesita tener respondidas: “¿Quién habla? ¿A quién le habla? ¿Cómo habla?”. Agrega que, cuando un director las responde, “la comunicación ya va bien encaminada y la confusión se reduce drásticamente”.

Su colega Diane Havens, citada en el mismo texto, dice: “Lo primero que espero escuchar de un director es el papel que tendrá la voz para lograr el impacto buscado”. Dicho de otro modo, nunca eres solo “la voz”. Eres una maestra paciente, un vecino irónico, alguien que compra su primera casa con nervios. Si el brief no te dice quién eres y a quién le hablas, pregúntalo antes de empezar. Es la pregunta más barata que vas a hacer en una sesión.

Amorose también señala algo que los principiantes suelen pasar por alto: las palabras descriptivas te dicen cómo se siente un personaje, no por qué. Es a propósito. Los directores esperan que encuentres el porqué por tu cuenta, así que una nota como “reacio” o “exasperado” es una invitación, no un acertijo.

Las notas que vas a escuchar, traducidas

“Hazlo más conversacional.” La nota más común en la locución comercial, y la más vaga. Amorose dice que “conversacional” es una palabra “usada en exceso hasta el punto de perder su significado”. Lo que el director suele buscar se parece más a las notas que ella preferiría oír: “Suelta esa última frase como si fuera algo que ya has hablado un millón de veces”, o “No siento que me estés hablando directamente a mí”. Así que elige a una persona real y háblale a ella. Quita esa subida de anunciante al final de las frases.

“Tíralo.” Esta confunde a muchos porque suena a “no te importa”. El coach Paul Liberti, en un texto para el estudio de formación actoral Actors Connection, lo explica así: “Tirar una toma es SOLTAR la idea con sencillez o con un encogimiento de hombros”. Advierte que muchos actores se pasan y caen en el desprecio: “‘Tirar una frase o una palabra’ es SOLTARLA con un encogimiento de hombros y NO DESECHARLA CON ASCO”. Piensa en lo fácil que le dirías a un amigo “ah, y el envío es gratis”.

“¿Puedes sonreír ahí?” Suena a mito de estudio, pero hay investigación detrás. En un estudio de 2008 en la Universidad de Portsmouth, los voluntarios respondían a todas las preguntas de una entrevista con la misma frase, “lo hago en verano”, mientras las preguntas se volvían cada vez más absurdas. Quienes solo escucharon las grabaciones pudieron distinguir distintos tipos de sonrisa. La autora principal, Amy Drahota, le dijo a NPR que “la mayoría de la gente era buena para oír la sonrisa de Duchenne”, la sonrisa completa que llega a los ojos. “Una voz contiene una variedad de características acústicas”, dijo en el anuncio de la universidad. “Es posible que interpretemos esos ‘sabores’ en la voz de alguien casi sin darnos cuenta”. Así que cuando te pidan sonreír, sonríe de verdad, con los ojos incluidos.

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La lectura de línea. A veces el director simplemente dice la frase como la quiere. Amorose lo define sin rodeos: “Una ‘lectura de línea’ es cuando el director dice la frase y le indica al actor que la repita exactamente, como lo haría un loro”. A los actores no les encanta. Las notas del curso de la locutora Donna Burke para SIGGRAPH la incluyen entre las quejas habituales: “los directores quieren que el actor los imite EXACTAMENTE, como un robot”. Pero estás ahí para servir al trabajo. Copia la forma de la lectura (dónde cae el énfasis, el ritmo, la pausa), conserva tu propia voz y ofrece tu versión en la siguiente toma si hay tiempo.

“Hazlo diferente.” Darryl Green, en su glosario de estudio para Acting Magazine, lo describe así: “Un término favorito de los productores para cuando les gustó tu toma anterior y quieren otra, pero no están del todo seguros de lo que quieren”. Su consejo para ese momento es breve: “Tu trabajo: construir sobre lo que ya hiciste para hacerlo todavía mejor”. Cambia una cosa a propósito (el ritmo, la calidez, dónde aterrizas la palabra clave) en lugar de descartar toda la lectura.

Lo que te pide el ingeniero

Parte de lo que llega por tus audífonos no es dirección creativa. Es el ingeniero preparando la siguiente toma, y el glosario de Green cubre las palabras que más vas a oír.

El nivel es cuando el ingeniero revisa qué tan fuerte vas a hablar. El consejo de Green es olvidarte del “probando, uno, dos” y “usar tu prueba de nivel como una oportunidad para ensayar tu interpretación en personaje y al volumen al que realmente vas a actuar”. La claqueta (slate) es la etiqueta hablada al inicio de una grabación. En los castings normalmente la haces tú; en una sesión, señala Green, el ingeniero suele encargarse.

Una retoma (pick-up) es volver a empezar desde un punto del guion, por ejemplo “retoma desde el inicio del segundo párrafo”, y tu nueva grabación tiene que sonar como si continuara directamente la anterior. El truco de Green es empezar a leer varias palabras antes del punto de retoma, para que ya estés en el ritmo al llegar. Un punch in es cuando el ingeniero entra en grabación durante la reproducción; lee en voz alta junto con la reproducción antes del corte para que la unión no se note.

Y ten un lápiz en la cabina. Green otra vez: “Cuando hagas cambios o correcciones en el texto, usa siempre un lápiz. Hay muy buenas probabilidades de que termines cambiando los cambios”.

Cuando las notas no tienen sentido

Todo locutor tiene alguna sesión en la que las notas se contradicen. Una publicación de febrero de 2025 en el sitio de la locutora y presentadora de Mánchester Emma Clarke repasa los clásicos, como clientes que te piden “sonar relajado y emocionado, leerlo más rápido pero que suene más lento”. También señala que “a menudo distintas personas en la sala le piden a la voz cosas completamente diferentes, todas al mismo tiempo”.

El consejo que sigue vale la pena imprimirlo. “Primero, no te lo tomes personal. Todo esto es parte del proceso. No te pongas a la defensiva, no te pongas pesado”. Luego, una técnica: “Le devuelvo la dirección a mi cliente”. Repetir lo que escuchaste (“entonces, ¿más cálido, pero sin bajar el ritmo?”) aclara la nota y le muestra con tacto a la sala dónde está jalando en dos direcciones. Las notas de Burke dicen lo mismo desde el otro lado: piden a los directores decidir de antemano quién dirige, para que el actor no reciba instrucciones de varias personas a la vez. Recuerda, como dice la publicación, que “todos en la sala quieren lo mismo”.

El actor de voz y coach Crispin Freeman, respondiendo en su podcast Voice Acting Mastery a un oyente que recibía notas que parecían contradecirse, resume toda la habilidad en una línea: “¡El secreto es darle al director lo que quiere, no lo que pide!”. Una nota es un síntoma. Tu trabajo es escuchar el problema que hay detrás.

Practícalo antes de que alguien te escuche

No necesitas un director para desarrollar este músculo. Toma un guion corto, un anuncio de 30 segundos es perfecto, y grábalo tres veces, cada una con una nota distinta: una sola persona al otro lado de la mesa, la última frase tirada con un encogimiento de hombros, una sonrisa real en el nombre del producto. Escucha y pregúntate si un desconocido notaría la diferencia. Si no la notaría, ve más lejos.

Después practica la mecánica. Detente a la mitad, regresa una oración y retoma como si nunca te hubieras detenido. Hazlo hasta que la unión desaparezca. Marca tu guion con lápiz mientras avanzas, como lo harías en una sesión real, y repite tus propias notas en voz alta antes de cada toma. Se siente raro a solas en una cabina. Se siente mucho menos raro la primera vez que un director dice “perfecto, esa es” después de dos tomas en lugar de doce.

Los directores recuerdan a los actores fáciles de guiar. No siempre vas a recibir notas claras, pero siempre puedes ser la persona en la cabina que escucha, hace la pregunta correcta y vuelve con algo nuevo.

Fuentes: Vicki Amorose, “Directing the Voice-over Actor: Tips for Better Communication”, Game Developer, 2009; Paul Liberti, “Just throw it away: what does that direction really mean?”, Actors Connection, julio de 2023; Darryl Green, “Studio Lingo”, Acting Magazine, abril de 2018; Universidad de Portsmouth vía ScienceDaily, “Smile, and the world can hear you, even if you hide”, enero de 2008, y NPR, “Hearing a Smile in Tone of Voice”, enero de 2008 (Drahota, Costall y Reddy, Speech Communication); “Taking direction with good humour is a core skill for anyone who works with their voice”, EmmaClarke.com, febrero de 2025; Crispin Freeman, Voice Acting Mastery, episodio 40, diciembre de 2012; Donna Burke, “Successful Voice Acting Recording Sessions”, notas del curso de SIGGRAPH Asia 2009. Las citas de fuentes en inglés fueron traducidas por Voice Over Herald.

Read this article in English: Do It Different: How New Voice Actors Learn to Take Direction

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